El arte, en una de sus manifestaciones primordiales como lo es la pintura, ha servido como una forma de comunicación visual, tiene su propio lenguaje y trastoca todas las culturas alrededor de todo el mundo, no tiene edad ni restricciones, es así como la lectura del primer capítulo del libro La retórica de la pintura de Carrete y Saborit nos da a conocer las nociones y las características de la Pintura como arte, dando paso a distintos conceptos de Arte y permitiendo conocer las materialidades de la Pintura relacionándolas con los cambios que ha tenido antes y después del arte contemporáneo. Mi reflexión se centrará entonces en cómo percibo esas nociones y materialidades en los ejercicios que me encuentro desarrollando como estudiante de Artes Plásticas.

 La Pintura es una forma de expresión artística y con su retórica busca transmitir ideas, emociones y experiencias a través de la manipulación de formas, colores y composiciones. Al situarse dentro del ámbito de las artes visuales, la pintura está dialogando continuamente con otras formas de expresión artística, como la escultura, el cine, la poesía, entre otros. Aunque estas disciplinas comparten ciertas cualidades estéticas, cada una posee una identidad única que al unirse entre ellas logran estilos y experiencias muy poco conocidas, y eso es lo que puede conocerse como una evolución que es lo que ha experimentado la Pintura a lo largo de la historia, siempre esta buscando explorar nuevos territorios y uno de los ejemplos más conocidos es que el arte contemporáneo busca abandonar la mera imitación de obras, técnicas o estilos para buscar la innovación, adoptando nuevas técnicas, materiales y enfoques conceptuales que retan a las expectativas establecidas.

 Dentro de la tradición de la Pintura se han conocido varios rasgos fundamentales para apreciarla y comprenderla, tanto el arte como la manera de hacer o crear arte han ido cambiando y evolucionando a lo largo de los siglos. La percepción de un objeto o de una Pintura como arte se ve influida por cómo se puede ajustar a las expectativas y convenciones establecidas dentro de esa tradición artística, es así como la materia y su consistencia en la práctica pictórica han sido objeto de investigación y experimentación, utilizando nuevos materiales y procesos, vemos por ejemplo que la forma y exposición de las obras de arte han cambiado desde la concepción tradicional del cuadro bidimensional hasta nuevas formas de presentación que buscan salirse de esos límites. También el color, por su parte que siempre ha sido explorado como un elemento fundamental de la pintura, desde su función tradicional como herramienta expresiva hasta su reinterpretación contemporánea como una entidad en sí misma, ha dejado de ser determinante en la Pintura, se ha roto el concepto dejando ver que pueden existir pinturas monocromáticas y que incluso pueden ser composiciones de líneas y manchas. Antiguamente se consideraba que Pintura era es todo aquello que tiene una pastosidad variable que es aplicada sobre una superficie que permita su absorción, en cambio hoy en día la experimentación nos permite entrar a la tridimensionalidad y encontrar mas posibilidades como por ejemplo la pintura vista desde la fotografía o los montajes de elementos con tradiciones y saberes únicos.

 En cuanto a la Valoración social del arte, en relación con la pintura, se ha visto influenciada por una serie de factores, incluyendo la unicidad del objeto artístico, la resistencia a la reproducción y la preocupación por la conservación, esos aspectos reflejan la importancia de la autenticidad y la experiencia directa en la apreciación de las obras de arte. Ello tiene que ver con dos factores importantes que resalta el texto los cuales son la Destreza y la Creatividad que busca la innovación y en ese sentido es necesario reconocer que, en el campo de estudio de la Pintura, la labor que tenemos hoy en día es utilizar todos los soportes y medios en los cuales tengamos interés, experimentar con ellos y encontrar una forma de hacer que tengan un nuevo valor y sentido pictórico. Personalmente, el punto anterior me causa mucha intriga, pero también algo de frustración porque el tiempo que nos lleva tomar un curso es muy corto a cuanto se quisiera experimentar, entonces no cabe más que realizar ejercicios y unas primeras exploraciones dentro de los materiales que tengamos a la mano. El sentido para mi seria encontrar un equilibrio entre la autonomía creativa y las demandas tanto comerciales como de intereses generales y en este momento empezaré por encontrar mis intereses personales y relacionarlos con experiencias concretas que pueden compartirse con otras personas.

 Dentro de la lectura, me interesó el tema de la significación pictórica como un aspecto central de la pintura ya que en esta era digital y globalizada, sigue siendo importante en el sentido de reconocerlo como una forma de expresión fundamental que continúa resonando en la sociedad contemporánea, una sociedad que se preocupa por la “muerte del arte” que es un fenómeno se aborda desde perspectivas como la influencia de la historia, la comercialización, la tecnología y el poder económico en la percepción y la práctica del arte.

Como se argumenta en el texto, el Arte, se hace por y para la historia, lo que sugiere que su valor y su significado están ligados a su contexto cultural y temporal, es así como la idea de la muerte del arte puede relacionarse en casos como estos: Cuando el arte muere en la historia quedando su registro en los museos, cuando las obras se convierten en meras mercancías dejando a un lado las técnicas de elaboración, la creatividad de quien las elaboró e incluso el concepto, reduciendo el arte a un producto, y lo más aterrador es cuando se expresa que el arte muere cuando los sujetos o espectadores pierden la capacidad de experimentar y apreciar las obras debido a la influencia de la sociedad teledirigida (homo videns). Hoy en día existimos en un mundo saturado de estímulos visuales y tecnológicos, la experiencia estética se ve amenazada por la atención fragmentada y la sobreexposición a la información digital, vemos como la influencia del internet, las redes sociales, los videojuegos y la inteligencia artificial contribuyen a esta pérdida de conexión con el arte como una experiencia profundamente significativa y transformadora.

 Finalmente, se destaca la relación entre el arte y el poder económico, donde se insinúa que el arte no morirá mientras sea útil para el poder económico y tenga influencia en las instituciones y el mercado, se tiene al arte como un activo financiero que crece cada día más, incluso se puede ver como una inversión a largo plazo convirtiéndolo en un instrumento para generar riqueza y poder, lo que puede desmejorar su valor cultural y estético. Yo creo en que esas preocupaciones plantean una necesidad de valorar el arte en todas sus prácticas desde el reconocimiento de las experiencias estéticas, el significado cultural y emocional, el tiempo de elaboración, el concepto y sobre todo las experiencias personales que causa en cada uno de los espectadores. Así sobreviviría el arte en este mundo que cada día evoluciona sin necesidad de únicamente un reconocimiento económico y aunque se puedan proponer poéticas que busquen terminar con las tradiciones artísticas de la pintura en favor de un arte interdisciplinario o conceptual, los sistemas y procesos del arte pictórico siguen siendo la base de una parte significativa del arte contemporáneo.

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